Nueva York, Nueva Galería Principal de Música
Esta galería se organiza en torno a 14 momentos seleccionados y singulares de la vasta trayectoria de la nueva música en la Nueva York de principios de los ochenta. Representando una variedad de géneros, lugares y eventos influyentes, son elegidos entre miles de momentos musicales que definieron la riqueza y diversidad de la escena musical de la ciudad. Aunque por definición son incompletos, juntos brindan una impresión general de la energía y la innovación que definieron la era.
En algunos casos, los momentos son cruciales y su influencia duradera. Otros destacan una alineación interesante de bandas o la confluencia de artistas, mientras que ciertos festivales encarnan los esfuerzos por reunir a los músicos bajo paraguas más grandes para fomentar una consideración más seria de su práctica. Cuando se ven juntos, estos momentos, distribuidos alrededor de las paredes de la galería, brindan una sensación de innovación, energía y polinización cruzada de ideas musicales que estaba sucediendo en toda la ciudad en este momento de apertura y creatividad.
Los siguientes momentos se organizan en sentido antihorario desde la entrada de la galería.
Evento: Más allá de las palabras
Lugar: Mudd Club
Fecha: Abril 9, 1981
El encuentro de ideas entre la cultura uptown y downtown cruzó un umbral importante el 9 de abril de 1981, cuando el Mudd Club de TriBeCa acogió Más allá de las palabras. Esta exhibición de arte de graffiti y la actuación de DJ Afrika Bambaataa, Cold Crush Brothers y Fantastic Five ayudaron a impulsar una nueva era en la nueva música de Nueva York.
Durante varios años, los DJ y MC destacados habían estado en fiestas rockeras en la parte alta de la ciudad, mientras que los escritores de graffiti de los cinco condados habían estado pintando el metro con "escritura de estilo". A principios de la década de 1980, un interés creciente en el arte basado en el graffiti, el turntablismo de DJ, el rap y la cultura b-boy, lo que se reuniría bajo el término general “hip hop”, comenzó a filtrarse en la escena del centro de la ciudad. Eventos de arte y música en el espacio artístico Fashion Moda en el Bronx, El espectáculo de Times Square producido por Colab en 1980,
y Nueva York / New Wave en el centro de artes PS 1 en Queens en febrero de 1981, todos prepararon el escenario para Más allá de las palabras.
Fred Brathwaite (también conocido como Fab 5 Freddy) flotó entre estos mundos y fue fundamental para conectar estas culturas. Fred también era un habitual en el Mudd Club, donde la música, el arte y los "sucesos" compartían regularmente el cartel. Con el artista Futura 2000, comisarió la Más allá de las palabras exposición, que presenta el trabajo de artistas del centro junto a escritores de graffiti, y reservó las actuaciones musicales. El centro se dio cuenta. Pronto hubo noches regulares para fiestas de hip-hop organizadas en el Club Negril, luego en el Roxy, y una gira internacional en 1982 promocionando la cultura con paradas en Londres y París.
Artista: Talking Heads
Lugar: Central Park
Fecha: agosto de 27, 1980
Cinco años después de subir al escenario por primera vez en CBGB (apertura para el grupo pionero de punk rock The Ramones), el 27 de agosto de 1980 los Talking Heads tocaron en un concierto con entradas agotadas en Wollman Rink en Central Park. La banda acababa de terminar de mezclar su cuarto álbum de estudio, Remain in Light, que empujó su música en nuevas direcciones. Ahora estaban fusionando el rock and roll new wave con Afrobeat, una combinación de funk y jazz estadounidenses con polirritmos de África Occidental. En palabras del cantante principal David Byrne en Rockero de nueva york, “No es Talking Heads con un nuevo estilo. Todo el concepto ha cambiado ". Las letras nerviosas y de humor oscuro de los setenta dieron paso a ritmos propulsores y un lirismo evangélico casi extático.
Por primera vez, la banda se expandió más allá del clásico cuarteto de David Byrne, Chris Frantz, Jerry Harrison y Tina Weymouth, trayendo a una variedad de músicos, incluido el guitarrista Adrian Belew, el tecladista Bernie Worrell, el bajista Michael "Busta Cherry" Jones, el percusionista Steve Scales, la percusionista y cantante de respaldo Dolette McDonald, y la cantante de respaldo Nona Hendryx.
El espectáculo de Central Park, con una multitud de casi 20,000 personas, fue solo la segunda vez que esta alineación tocó juntos en vivo. El grupo imbuyó un nuevo espíritu colectivo en la música de Talking Heads. Varias pistas del espectáculo de Central Park se incluyeron más tarde en el álbum doble en vivo. El nombre de esta banda es Talking Heads (1982).
Artistas: DNA y Gray
Lugar: CBGB
Fecha: marzo 22, 1980
El sábado 22 de marzo de 1980, DNA y Gray, dos bandas asociadas con la escena "no wave" de Nueva York, subieron al escenario de CBGB en el Bowery. Muchas bandas sin wave en ese momento restaron importancia a la musicalidad y la técnica tradicionales, una actitud que les permitió explorar el sonido, el patrón, la textura y la improvisación libre. El concierto de CBGB fue emblemático de este momento en ninguna ola: las dos bandas tocaron juntas con frecuencia desde 1979 hasta 1981, y los materiales reunidos aquí encarnan el emparejamiento de los dos grupos influyentes en la escena del centro.
En el momento del concierto del 22 de marzo, DNA era un trío, y cada miembro adoptaba un enfoque poco convencional de sus instrumentos. Como Neoyorquino El crítico musical Sasha Frere-Jones escribió: "Con demasiada frecuencia descritas como" ruido ", [Arto] las figuras de guitarra de Lindsay tienen más en común con la pintura: cambian de tono y textura, a menudo de manera desorientadora, pero ninguna de ellas es aleatoria. [ Ikue] Mori depende en gran medida de los patrones de tom tom, en lugar de la patada, la caja y el sombrero alto que utilizan la mayoría de los bateristas de cronometraje. [Tim] Wright generalmente tocaba líneas [de bajo] melódicas y coherentes. ... Lindsay cantaba como si estuviera sacando palabras de su estómago con un gancho, haciéndolas ininteligibles ".
Los artistas de Gray no tenían formación en sus instrumentos: Jean-Michel Basquiat en clarinete o sintetizador; Michael Holman en percusión; Nick Taylor a la guitarra; y Wayne Clifford apagando una variedad de instrumentos (Shannon Dawson, más tarde de Konk, fue un miembro anterior de la banda). El crítico musical Glenn O'Brien describió al grupo como "una especie de conjunto de salón de efectos de sonido industrial bebop fácil de escuchar", y luego escribió que Gray se acercó a la creación musical "de la forma en que uno coge una máquina extraña e intenta intuir su funcionamiento y función . "
Evento: Konk vs Liquid Liquid
Lugar: Tompkins Square Park
Fecha: agosto de 9, 1981
Un movimiento de genio del marketing convirtió un concierto de verano al aire libre en una sensación al calificar el evento del 9 de agosto de 1981 como un enfrentamiento entre las bandas presentadas. Richard McGuire de Liquid Liquid creó un póster para el concierto de Tompkins Square Park en la forma de una pelea de boxeadores anunciando “Konk vs Liquid Liquid”, promoviendo una rivalidad amistosa entre dos bandas a las que les encantaba hacer bailar a su público. El concierto resultante, que también contó con varias otras bandas locales e internacionales, obtuvo críticas favorables tanto en The Village Voice y Rockero de nueva york.
Liquid Liquid y Konk se formaron en la ciudad de Nueva York en 1980, y rápidamente desarrollaron reputación por su música un poco fuera de lugar, impulsada por ritmos funk bailables basados en groove. Liquid Liquid, nacido de la escena new wave post-punk de Nueva York, no se parecía en nada a nada de lo que los precedió: sin un guitarrista, construyeron su música en ritmos de propulsión únicos. Konk se basó en una variedad de influencias new wave, funk, disco y afropop con la improvisación de forma libre del jazz. Ambas bandas continuarían tocando y grabando durante varios años. El notable lanzamiento de Liquid Liquid, "Cavern" en 1983, se convirtió en un clásico instantáneo de los clubes de baile, muestreado por numerosos grupos de hip-hop a lo largo de los años.
Evento: Noise Fest
Lugar: Columnas Blancas
Fecha: 16 al 24 de junio de 1981
Cuando el propietario del club nocturno Ray Boykin declaró: "Seamos realistas, mucha música es solo ruido", sin saberlo, inspiró un evento de arte y música revolucionario: el Noise Fest de 1981. Aunque Boykin hacía referencia al arte rock atonal y disonante del movimiento "no wave" de finales de la década de 1970, a principios de la década de 1980 una amplia cohorte de músicos todavía estaba explorando las posibilidades del "ruido". El director del espacio artístico de TriBeCa White Columns, Josh Baer, invitó a Thurston Moore de la banda Sonic Youth a organizar una alineación en torno al tema, y lo que se imaginó como un evento de un día se convirtió rápidamente en un festival de nueve días a partir del 16 de junio. al 24 de 1981.
Como recordó Moore, “Las bandas comenzaron a llamarme para participar. Casi todos los que llamaron dije que sí a… Insane… ”El evento decisivo reunió a“ experimentadores punk de vanguardia contemporánea post no wave ”que crearon una experiencia memorable, aunque agresiva. Como Las noticias semanales del SoHo informó: "La habitación es pequeña, la reverberación es mortal y la amplificación es tan fuerte que es casi imposible permanecer dentro de la habitación durante más de un minuto".
White Columns convirtió el evento en una plataforma para el arte experimental al montar una exposición simultánea bajo el título El gran ritmo y la producción de un zine complementario. El evento también generó una cinta de casete de edición limitada, grabada por Anne DeMarinis de Sonic Youth, e inspiró al director de White Columns, Josh Baer, a asociarse con el compositor Glenn Branca para crear Neutral Records. El sello lanzó los primeros esfuerzos seminales de Sonic Youth y Swans, junto con importantes grabaciones de Y Pants y Branca.
Artista: Kid Creole and the Coconuts
Lugar: Danceteria
Fecha: 1980
En cualquier noche que comenzara a principios de la década de 1980, Kid Creole and the Coconuts subían al escenario y transportaban a su audiencia a un mundo de fantasía que The New York Times descrito como "Los hermanos Marx se encuentran con Carmen Miranda en Kingston de Bob Marley". Tal fue el caso cuando el grupo, encabezado por August Darnell (Kid Creole), dirigió una revista de casi una docena de músicos para interpretar su música bailable de flexión de géneros en Danceteria en julio de 1980.
Como comunicado de prensa de su álbum debut, Fuera de mi costa (1980), señaló, “Su nombre evoca imágenes de serenidad tropical y locura isleña y el grupo presenta, además de August Darnell ... el intérprete de vibraciones y arreglista musical, Andy Hernandez (Coati Mundi), y un variopinto multiétnico sexualmente equipo integrado cocinando una combinación de música isleña y funk urbano de clase trabajadora ". Su ambicioso segundo lanzamiento, Fruta fresca en lugares extranjeros (1981), se basó en el concepto de un diario de viaje musical y se convirtió en una producción teatral en The Public Theatre.
Su música era inteligente, vanguardista y siempre bailable, y atraía a los habitantes de la discoteca que aún bailaban, a los nuevos fanáticos acérrimos y a todos los demás.
Artista: Madonna
Lugar: Danceteria
Fecha: Diciembre 16, 1982
El jueves 16 de diciembre de 1982, una ambiciosa joven de 24 años que usaba solo su nombre de pila subió al escenario del segundo piso de Danceteria en la calle 21 para interpretar públicamente su propia música por primera vez. Madonna, que cantó su sencillo recientemente grabado "Everybody", actuó como telonero de las listas de éxitos musicales independientes del Reino Unido, A Certain Ratio.
Madonna Louise Ciccone había llegado a Nueva York desde su Detroit natal cinco años antes con aspiraciones de convertirse en bailarina profesional. A principios de la década de 1980, era una figura familiar en la escena del centro. Como dijo DJ Mark Kamins, quien finalmente produjo su primer sencillo, “Madonna era una habitual en Danceteria. Tenía un gran estilo y tenía que ser el centro de atracción ". Su aparición debut, y el sencillo de Sire Records, sirvieron de trampolín a la fama; el lanzamiento de su álbum homónimo siguió rápidamente en 1983.
Al año siguiente, Madonna capturó la atención mundial cuando interpretó "Like a Virgin" en los MTV Video Music Awards en el Radio City Music Hall. Su sugerente actuación ha pasado a ser uno de los momentos más icónicos de la historia de la televisión. Durante la siguiente década y media, Madonna se convirtió en "la reina del pop", una figura destacada en la música y la moda mundial.
Evento: Next Wave Festival
Lugar: Academia de Música de Brooklyn
Fecha: 1982 a 1983
Un trampolín importante para la nueva música en la década de 1980 provino de una fuente que podría haber parecido poco probable: la venerable Academia de Música de Brooklyn (BAM). Pero en septiembre de 1982, cuando se lanzó la segunda edición de su serie Next Wave, BAM ya era conocido por fomentar el arte aventurero. El festival de una temporada contó con un número sin precedentes de artistas, tanto nuevos como conocidos, de diversas disciplinas, muchos de los cuales presentaron estrenos mundiales.
La apertura de la serie fue Steve Reich, un líder establecido de la composición minimalista; su programa abarcó el rango de su carrera, desde Tambores (1971) al estreno mundial de Contrapunto de Vermont (mil novecientos ochenta y dos). El músico y compositor del centro de la ciudad, Glenn Branca, estrenó su Sinfonía No. 3: Gloria para guitarra eléctrica y percusión, una pieza estridente que combinaba el pedigrí musical del minimalismo con el encanto del rock and roll. Laurie Anderson estrenó la rumia completa de medios mixtos sobre la América moderna:
Estados Unidos: Partes I a IV, combinando la palabra hablada y la música electrónica con proyecciones.
La serie de 1982-83 Next Wave concluyó con una presentación colaborativa entre el gran jazz moderno Max Roach y el equipo de baile de Bill T. Jones y Arnie Zane, un hito de innovación y actuación interdisciplinaria. Esto culminó una temporada de conciertos visionarios que introdujeron nueva música a una amplia audiencia. Next Wave se ha mantenido como un pilar de BAM desde entonces.
Artista: Funky 4 + 1
Lugar: Saturday Night Live
Fecha: Febrero 14, 1981
El 14 de febrero de 1981, el Funky 4 + 1 apareció en Saturday Night Live (SNL), marcando la primera vez que un grupo de hip-hop se presenta en vivo en la televisión nacional. Formado en el Bronx en 1976, el grupo que actuó en SNL incluía a cuatro hombres, KK Rockwell, Keith Keith, Li'l Rodney C. y Jazzy Jeff, y el "más uno más" era Sha Rock, la primera MC femenina del hip hop.
En un movimiento que reflejaba la creciente influencia del hip hop en la cultura rock del centro de la ciudad, se invitó a Funky 4 + 1 a actuar en SNL por la presentadora e invitada musical de esa noche, Debbie Harry de la legendaria banda de new wave / punk Blondie. SNL invitó a Harry a elegir a un compañero invitado musical para que la acompañara, y ella eligió a Funky 4 + 1, a quien presentó como "uno de los mejores raperos callejeros del país" y "sus amigos del Bronx".
El grupo interpretó su segundo sencillo, "That's the Joint", publicado por Sugar Hill Records. The Village Voice El crítico de música Robert Christgau le dio a la canción su calificación más alta y luego la nombró en su lista de los mejores de los 80. Se ha mantenido influyente a lo largo de los años, muestreado por Beastie Boys y De La Soul.
Artista: The Fort Apache Band
Lugar: Mikell's
Fecha: Diciembre 31, 1985
En la víspera de Año Nuevo de 1985, Fort Apache Band, con sede en el Bronx, tocó en varios sets en Mikell's, un club de jazz en la esquina de 97th Street y Columbus Avenue. La música de esa noche encarnó el proyecto de animación del grupo: explorar la intersección creativa de las tradiciones musicales afrocubanas y puertorriqueñas con el jazz.
La banda había sido cofundada por los hermanos Andy y Jerry González en 1979. Andy tocaba el contrabajo; Jerry, el líder, era un percusionista y trompetista que encarnaba el espíritu interseccional del jazz latino moderno. Inicialmente, el grupo no tenía nombre (su primer álbum, Ya Yo Me Curé, se registró con el nombre de Jerry), pero finalmente se nombraron a sí mismos después de la comisaría de policía del sur del Bronx, convirtiendo un insulto en una declaración de orgullo. (El conjunto había participado activamente en las protestas contra la producción de la película de Paul Newman Fort Apache, The Bronx en 1981.)
Habiendo grabado un álbum en vivo (El río es profundo) en 1982, en el momento de su actuación de Nochevieja, el grupo estaba profundamente inmerso en la exploración de los temas musicales que se materializarían en 1989. Rumba Para Monje. Este álbum emblemático combinó ritmos latinos con composiciones de Thelonious Monk, con gran éxito. “Siempre que escuché jazz, Trane, Miles o Monk, escuché los ritmos cubanos con él todo el tiempo”, dijo Jerry González. Down Beat en 1990. "Dizzy (Gillespie) demostró que se puede superponer bebop auténtico sobre un bajo rítmico latino complejo sin diluir ninguno de ellos".
Artista: John Zorn
Lugar: Ruleta
Fecha: Octubre 13, 1984
Cobra es una de las “piezas de juego” más influyentes del compositor de vanguardia John Zorn: composiciones musicales que desafían el género y están diseñadas para la improvisación controlada. Estrenado en Roulette, un espacio de arte alternativo de TriBeCa, el 13 de octubre de 1984, Cobra se inspiró en un juego de rol de la Segunda Guerra Mundial del mismo nombre. La pieza fue concebida como un sistema de reglas destinadas a crear “un conjunto de relaciones interpersonales más flexibles pero más complejas” para un grupo de músicos y un apuntador. Zorn escribió la partitura con la intención de fomentar el ritmo rápido y los cambios rápidos en la música. Él comparó sus intenciones con "el tipo de división de tiempo radical y estructura sintáctica de la música clásica de dibujos animados de Carl Stalling y Scott Brady".
Nacido en la ciudad de Nueva York, Zorn ha sido una figura central en la escena del centro desde 1975. Es conocido por dibujar en una amplia gama de géneros musicales, que incluyen jazz, rock, hardcore punk, clásica, klezmer, cine, dibujos animados, popular. y música improvisada. Zorn continúa creando un cuerpo de trabajo influyente que cruza las categorías académicas estándar. Cobra se ha convertido en un elemento básico de la música de vanguardia, interpretada habitualmente por músicos experimentados y estudiantes que buscan perfeccionar sus habilidades de improvisación.
Evento: Fiesta de la vida de Keith Haring
Lugar: Paradise Garage
Fecha: mayo 16, 1984
El 16 de mayo de 1984, el artista Keith Haring lanzó su primera Fiesta de la Vida, una celebración de cumpleaños que fue una entusiasta convergencia de arte, música y actuación en el club nocturno Paradise Garage en SoHo. La festividad fue organizada conjuntamente por Larry Levan, el DJ residente del club y destacado productor y mezclador de discos, y contó con una lista de invitados repleta de estrellas con actuaciones de Madonna y John Sex. Madonna cantó "Dress You Up" y "Like a Virgin", que se estrenaron más tarde ese año, vistiendo un traje diseñado por Stephen Sprouse pintado por Haring y LA II.
Paradise Garage abrió sus puertas en 1977, inspirado en las fiestas privadas de DJ de David Mancuso en The Loft: no se sirvió licor, no se vendieron alimentos ni bebidas. El club era solo por invitación, con un patrocinio devoto de hombres homosexuales principalmente negros, y la magia del tocadiscos del DJ Larry Levan fue el principal atractivo.
En sus diarios, Haring escribió: "No sé si sabes lo importante que es Paradise Garage, al menos para mí y la tribu de personas que han compartido muchas experiencias espirituales colectivas allí". Ann Magnuson, artista del centro de la ciudad, actriz y amiga de Keith Haring, escribió que "el baile era nuestro rito pagano y el Paradise Garage, el primer club de baile gay multicultural, se convirtió en el Panteón de Keith". La Fiesta de la Vida fue quizás el ejemplo definitivo del arte, la moda y la música del centro de la ciudad que convergen en la pista de baile.
Artistas: Run-DMC y The Treacherous Three
Lugar: Graffiti Rock
Fecha: junio 29, 1984
La historia se hizo en junio de 1984 cuando se grabó el primer programa de televisión de hip-hop sindicado en un estudio de sonido en Midtown Manhattan. roca de la pintada El creador, Michael Holman (percusionista de la banda "no wave" Gray, también destacado en esta galería), describió el espectáculo como una "fiesta de música y baile que celebra la vida en la calle". Aunque el programa finalmente emitió solo un episodio, el 29 de junio, tenía grandes ambiciones: brindar “un vistazo al futuro, una oportunidad de ver lo que la juventud de hoy está pensando y sintiendo, cantando y bailando. Y eso, en última instancia, ayudará a determinar qué dirección está tomando toda nuestra sociedad ".
roca de la pintada contó con actos innovadores, incluida la interpretación de Run-DMC de su exitoso sencillo, "Sucker MCs". Formada apenas el año anterior en Hollis, Queens, Run-DMC acababa de lanzar su primer LP en la primavera de 1984. En el momento de roca de la pintada, el trío había desarrollado su sonido "rap rock" contundente con canciones como "Rock Box". También adquirieron una estética de moda que remodelaría el hip hop durante generaciones, incorporando un estilo urbano que incluía sombreros Kangol, zapatillas Adidas y chaquetas de cuero negro.
El programa también contó con Kool Moe Dee y Special K, dos MCs del trío veterano The Treacherous Three. Con base en Harlem y el Bronx, el grupo era conocido por la velocidad y las cualidades líricas de sus rimas. Los MC proporcionaron la introducción del programa, desglosando los elementos del hip hop, incluido el breakin ', el DJ y los estilos verbales de los MC, todo con un conjunto cargado de graffiti. También aparecieron en una batalla amistosa de estilo libre con Run-DMC.
Artista: Arthur Russell
Lugar: Fundación Experimental Intermedia
Fecha: Septiembre 22, 1985
Un momento revolucionario en la escena musical experimental de Nueva York se produjo en el otoño de 1985, cuando Arthur Russell realizó varias actuaciones en la Experimental Intermedia Foundation en SoHo. Las interpretaciones en solitario de composiciones nuevas y reelaboradas emparejaron el tenor lastimero de Russell con su violonchelo, a veces empapado de distorsión y reverberación. Varias canciones grabadas durante estas actuaciones constituyen una parte significativa del revolucionario álbum de 1986 de Russell, Mundo de eco.
Russell llegó a la ciudad de Nueva York en 1973 desde su Iowa natal pasando por San Francisco. Con formación clásica en composición y violonchelo, rápidamente se unió a la multitud del centro y se convirtió en el booker del lugar de arte de vanguardia The Kitchen. A medida que se desilusionó gradualmente con las oportunidades en la escena de la música experimental, también frecuentaba clubes nocturnos como The Loft y Paradise Garage, el centro de la escena de clubes gay. Su influencia pronto comenzó a aparecer en su trabajo, cuando Russell comenzó a crear música para las pistas de baile de Nueva York. Colaboró con grupos como The Flying Hearts, Loose Joints y Dinosaur L, que produjeron clásicos de la danza "Is It All Over My Face?" y “Go Bang! # 5 ".
Russell era el raro individuo que podía moverse entre mundos, desde la sala de arte hasta la sala de baile, y su influencia en los creadores de música contemporánea y la apreciación de los críticos de música solo ha aumentado en los últimos años. Russell fue diagnosticado con VIH poco después del lanzamiento de Mundo de eco, y murió en 1992.
