Nueva York, Nueva Galería Principal de Música
Esta galería se organiza en torno a 14 momentos seleccionados y singulares de la vasta trayectoria de la nueva música en la Nueva York de principios de los ochenta. Representando una variedad de géneros, lugares y eventos influyentes, son elegidos entre miles de momentos musicales que definieron la riqueza y diversidad de la escena musical de la ciudad. Aunque por definición son incompletos, juntos brindan una impresión general de la energía y la innovación que definieron la era.
En algunos casos, los momentos son cruciales y su influencia duradera. Otros destacan una alineación interesante de bandas o la confluencia de artistas, mientras que ciertos festivales encarnan los esfuerzos por reunir a los músicos bajo paraguas más grandes para fomentar una consideración más seria de su práctica. Cuando se ven juntos, estos momentos, distribuidos alrededor de las paredes de la galería, brindan una sensación de innovación, energía y polinización cruzada de ideas musicales que estaba sucediendo en toda la ciudad en este momento de apertura y creatividad.
Los siguientes momentos se organizan en sentido antihorario desde la entrada de la galería.
Evento: Más allá de las palabras
Lugar: Mudd Club
Fecha: Abril 9, 1981
El encuentro de ideas entre la cultura uptown y downtown cruzó un umbral importante el 9 de abril de 1981, cuando el Mudd Club de TriBeCa acogió Más allá de las palabras. Esta exhibición de arte de graffiti y la actuación de DJ Afrika Bambaataa, Cold Crush Brothers y Fantastic Five ayudaron a impulsar una nueva era en la nueva música de Nueva York.
Durante varios años, los DJ y MC destacados habían estado en fiestas rockeras en la parte alta de la ciudad, mientras que los escritores de graffiti de los cinco condados habían estado pintando el metro con "escritura de estilo". A principios de la década de 1980, un interés creciente en el arte basado en el graffiti, el turntablismo de DJ, el rap y la cultura b-boy, lo que se reuniría bajo el término general “hip hop”, comenzó a filtrarse en la escena del centro de la ciudad. Eventos de arte y música en el espacio artístico Fashion Moda en el Bronx, El espectáculo de Times Square producido por Colab en 1980,
y Nueva York / New Wave en el centro de artes PS 1 en Queens en febrero de 1981, todos prepararon el escenario para Más allá de las palabras.
Fred Brathwaite (también conocido como Fab 5 Freddy) flotó entre estos mundos y fue fundamental para conectar estas culturas. Fred también era un habitual en el Mudd Club, donde la música, el arte y los "sucesos" compartían regularmente el cartel. Con el artista Futura 2000, comisarió la Más allá de las palabras exposición, que presenta el trabajo de artistas del centro junto a escritores de graffiti, y reservó las actuaciones musicales. El centro se dio cuenta. Pronto hubo noches regulares para fiestas de hip-hop organizadas en el Club Negril, luego en el Roxy, y una gira internacional en 1982 promocionando la cultura con paradas en Londres y París.
Artista: Talking Heads
Lugar: Central Park
Fecha: agosto de 27, 1980
Cinco años después de su debut en el CBGB (como teloneros del grupo pionero del punk rock, los Ramones), el 27 de agosto de 1980, Talking Heads ofreció un concierto con entradas agotadas en el Wollman Rink de Central Park. La banda acababa de terminar la mezcla de su cuarto álbum de estudio, Remain in Light , que impulsó su música hacia nuevas direcciones. Ahora fusionaban el rock and roll new wave con el afrobeat, una combinación de funk y jazz estadounidenses con polirritmos de África Occidental. En palabras del vocalista David Byrne en New York Rocker : «No es Talking Heads con un nuevo estilo. Todo el concepto ha cambiado». Las letras nerviosas y de humor negro de los años 1970 dieron paso a ritmos enérgicos y a un lirismo casi extático y evangélico.
Por primera vez, la banda se expandió más allá del clásico cuarteto de David Byrne, Chris Frantz, Jerry Harrison y Tina Weymouth, trayendo a una variedad de músicos, incluido el guitarrista Adrian Belew, el tecladista Bernie Worrell, el bajista Michael "Busta Cherry" Jones, el percusionista Steve Scales, la percusionista y cantante de respaldo Dolette McDonald, y la cantante de respaldo Nona Hendryx.
El concierto en Central Park, con casi 20 000 asistentes, fue apenas la segunda vez que esta formación tocaba junta en directo. El grupo infundió un nuevo espíritu colectivo a la música de Talking Heads. Varios temas del concierto en Central Park se incluyeron posteriormente en el álbum doble en directo The Name of This Band Is Talking Heads (1982).
Artistas: DNA y Gray
Lugar: CBGB
Fecha: marzo 22, 1980
El sábado 22 de marzo de 1980, DNA y Gray, dos bandas asociadas con la escena "no wave" de Nueva York, subieron al escenario de CBGB en el Bowery. Muchas bandas sin wave en ese momento restaron importancia a la musicalidad y la técnica tradicionales, una actitud que les permitió explorar el sonido, el patrón, la textura y la improvisación libre. El concierto de CBGB fue emblemático de este momento en ninguna ola: las dos bandas tocaron juntas con frecuencia desde 1979 hasta 1981, y los materiales reunidos aquí encarnan el emparejamiento de los dos grupos influyentes en la escena del centro.
En el momento del concierto del 22 de marzo, DNA era un trío, y cada miembro adoptaba un enfoque poco convencional con su instrumento. Como escribió la crítica musical de The New Yorker , Sasha Frere-Jones: «A menudo descritas como "ruido", las figuras de guitarra de [Arto] Lindsay tienen más en común con la pintura: cambian de tono y textura, a menudo de forma desconcertante, pero ninguna es aleatoria. La batería de [Ikue] Mori se basa en gran medida en patrones de timbales, en lugar del bombo, la caja y el charles que utilizan la mayoría de los bateristas que marcan el ritmo. [Tim] Wright generalmente tocaba líneas de bajo coherentes y melódicas. ...Lindsay cantaba como si sacara las palabras de su estómago con un gancho, haciéndolas ininteligibles».
Los artistas de Gray no tenían formación en sus instrumentos: Jean-Michel Basquiat en clarinete o sintetizador; Michael Holman en percusión; Nick Taylor a la guitarra; y Wayne Clifford apagando una variedad de instrumentos (Shannon Dawson, más tarde de Konk, fue un miembro anterior de la banda). El crítico musical Glenn O'Brien describió al grupo como "una especie de conjunto de salón de efectos de sonido industrial bebop fácil de escuchar", y luego escribió que Gray se acercó a la creación musical "de la forma en que uno coge una máquina extraña e intenta intuir su funcionamiento y función . "
Evento: Konk vs Liquid Liquid
Lugar: Tompkins Square Park
Fecha: agosto de 9, 1981
Una genialidad de marketing convirtió un concierto veraniego al aire libre en un fenómeno, al presentar el evento del 9 de agosto de 1981 como un duelo entre las bandas participantes. Richard McGuire, de Liquid Liquid, creó un cartel para el concierto en Tompkins Square Park con la forma de un combate de boxeo, anunciando "Konk vs Liquid Liquid" y promoviendo una rivalidad amistosa entre dos bandas que disfrutaban haciendo bailar a su público. El concierto, que también contó con la participación de otras bandas locales e internacionales, recibió críticas favorables en The Village Voice y New York Rocker.
Liquid Liquid y Konk se formaron en la ciudad de Nueva York en 1980, y rápidamente desarrollaron reputación por su música un poco fuera de lugar, impulsada por ritmos funk bailables basados en groove. Liquid Liquid, nacido de la escena new wave post-punk de Nueva York, no se parecía en nada a nada de lo que los precedió: sin un guitarrista, construyeron su música en ritmos de propulsión únicos. Konk se basó en una variedad de influencias new wave, funk, disco y afropop con la improvisación de forma libre del jazz. Ambas bandas continuarían tocando y grabando durante varios años. El notable lanzamiento de Liquid Liquid, "Cavern" en 1983, se convirtió en un clásico instantáneo de los clubes de baile, muestreado por numerosos grupos de hip-hop a lo largo de los años.
Evento: Noise Fest
Lugar: Columnas Blancas
Fecha: 16 al 24 de junio de 1981
Cuando el propietario del club nocturno Ray Boykin declaró: "Seamos realistas, mucha música es solo ruido", sin saberlo, inspiró un evento de arte y música revolucionario: el Noise Fest de 1981. Aunque Boykin hacía referencia al arte rock atonal y disonante del movimiento "no wave" de finales de la década de 1970, a principios de la década de 1980 una amplia cohorte de músicos todavía estaba explorando las posibilidades del "ruido". El director del espacio artístico de TriBeCa White Columns, Josh Baer, invitó a Thurston Moore de la banda Sonic Youth a organizar una alineación en torno al tema, y lo que se imaginó como un evento de un día se convirtió rápidamente en un festival de nueve días a partir del 16 de junio. al 24 de 1981.
Como recordó Moore: «Las bandas empezaron a llamarme para que participara. A casi todas las que me llamaron les dije que sí… ¡Una locura!». El evento trascendental reunió a «experimentalistas punk post-no wave de vanguardia contemporánea» que crearon una experiencia memorable, aunque agresiva. Como informó The SoHo Weekly News : «La sala es diminuta, la reverberación es brutal y la amplificación tan fuerte que es prácticamente imposible permanecer dentro más de un minuto».
White Columns transformó el evento en una plataforma para el arte experimental al organizar una exposición simultánea titulada The Big Beat y producir un fanzine complementario. El evento también dio lugar a una cinta de casete de edición limitada, grabada por Anne DeMarinis de Sonic Youth, e inspiró al director de White Columns, Josh Baer, a asociarse con el compositor Glenn Branca para crear Neutral Records. El sello lanzó posteriormente los primeros trabajos fundamentales de Sonic Youth y Swans, junto con importantes grabaciones de Y Pants y Branca.
Artista: Kid Creole and the Coconuts
Lugar: Danceteria
Fecha: 1980
En cualquier noche, a principios de la década de 1980, Kid Creole and the Coconuts subían al escenario y transportaban a su público a un mundo de fantasía que The New York Times describió como "Los Hermanos Marx conociendo a Carmen Miranda en el Kingston de Bob Marley". Tal fue el caso cuando el grupo, liderado por August Darnell (Kid Creole), encabezó una revista musical con casi una docena de músicos para interpretar su música bailable que fusionaba géneros en Danceteria en julio de 1980.
Como señalaba el comunicado de prensa de su álbum debut, Off the Coast of Me (1980), «Su nombre evoca imágenes de serenidad tropical y locura isleña, y el grupo cuenta, además de August Darnell, con el vibráfono y arreglista musical Andy Hernandez (Coati Mundi) y un variopinto grupo multiétnico y sexualmente integrado que fusiona música isleña y funk urbano de clase trabajadora». Su ambicioso segundo lanzamiento, Fresh Fruit in Foreign Places (1981), se basó en el concepto de un diario de viaje musical y se convirtió en una producción teatral en The Public Theater.
Su música era inteligente, vanguardista y siempre bailable, y atraía a los habitantes de la discoteca que aún bailaban, a los nuevos fanáticos acérrimos y a todos los demás.
Artista: Madonna
Lugar: Danceteria
Fecha: Diciembre 16, 1982
El jueves 16 de diciembre de 1982, una ambiciosa joven de 24 años que usaba solo su nombre de pila subió al escenario del segundo piso de Danceteria en la calle 21 para interpretar públicamente su propia música por primera vez. Madonna, que cantó su sencillo recientemente grabado "Everybody", actuó como telonero de las listas de éxitos musicales independientes del Reino Unido, A Certain Ratio.
Madonna Louise Ciccone había llegado a Nueva York desde su Detroit natal cinco años antes con aspiraciones de convertirse en bailarina profesional. A principios de la década de 1980, era una figura familiar en la escena del centro. Como dijo DJ Mark Kamins, quien finalmente produjo su primer sencillo, “Madonna era una habitual en Danceteria. Tenía un gran estilo y tenía que ser el centro de atracción ". Su aparición debut, y el sencillo de Sire Records, sirvieron de trampolín a la fama; el lanzamiento de su álbum homónimo siguió rápidamente en 1983.
Al año siguiente, Madonna capturó la atención mundial cuando interpretó "Like a Virgin" en los MTV Video Music Awards en el Radio City Music Hall. Su sugerente actuación ha pasado a ser uno de los momentos más icónicos de la historia de la televisión. Durante la siguiente década y media, Madonna se convirtió en "la reina del pop", una figura destacada en la música y la moda mundial.
Evento: Next Wave Festival
Lugar: Academia de Música de Brooklyn
Fecha: 1982 a 1983
Un trampolín importante para la nueva música en la década de 1980 provino de una fuente que podría haber parecido poco probable: la venerable Academia de Música de Brooklyn (BAM). Pero en septiembre de 1982, cuando se lanzó la segunda edición de su serie Next Wave, BAM ya era conocido por fomentar el arte aventurero. El festival de una temporada contó con un número sin precedentes de artistas, tanto nuevos como conocidos, de diversas disciplinas, muchos de los cuales presentaron estrenos mundiales.
La apertura de la serie fue Steve Reich, un líder establecido de la composición minimalista; su programa abarcó el rango de su carrera, desde Tambores (1971) al estreno mundial de Contrapunto de Vermont (mil novecientos ochenta y dos). El músico y compositor del centro de la ciudad, Glenn Branca, estrenó su Sinfonía No. 3: Gloria para guitarra eléctrica y percusión, una pieza estridente que combinaba el pedigrí musical del minimalismo con el encanto del rock and roll. Laurie Anderson estrenó la rumia completa de medios mixtos sobre la América moderna:
Estados Unidos: Partes I a IV, combinando la palabra hablada y la música electrónica con proyecciones.
La serie de 1982-83 Next Wave concluyó con una presentación colaborativa entre el gran jazz moderno Max Roach y el equipo de baile de Bill T. Jones y Arnie Zane, un hito de innovación y actuación interdisciplinaria. Esto culminó una temporada de conciertos visionarios que introdujeron nueva música a una amplia audiencia. Next Wave se ha mantenido como un pilar de BAM desde entonces.
Artista: Funky 4 + 1
Lugar: Saturday Night Live
Fecha: Febrero 14, 1981
El 14 de febrero de 1981, Funky 4 + 1 apareció en Saturday Night Live (SNL), marcando la primera vez que un grupo de hip hop actuaba en directo en la televisión nacional. Formado en el Bronx en 1976, el grupo que actuó en SNL estaba compuesto por cuatro hombres: KK Rockwell, Keith Keith, Li'l Rodney C. y Jazzy Jeff, con Sha Rock como integrante, la primera MC femenina del hip hop.
En un gesto que reflejaba la creciente influencia del hip hop en la cultura rock del centro de la ciudad, Funky 4 + 1 fue invitado a actuar en SNL por la presentadora e invitada musical de esa noche, Debbie Harry, de la legendaria banda de new wave/punk Blondie. SNL invitó a Harry a elegir a otro artista para que la acompañara, y ella escogió a Funky 4 + 1, a quienes presentó como "uno de los mejores raperos callejeros del país" y "sus amigos del Bronx".
El grupo interpretó su segundo sencillo, «That's the Joint», publicado por Sugar Hill Records. El crítico musical de The Village Voice, Robert Christgau, le otorgó la máxima puntuación y posteriormente la incluyó en su lista de lo mejor de los 80. Ha mantenido su influencia a lo largo de los años, siendo sampleada tanto por los Beastie Boys como por De La Soul.
Artista: The Fort Apache Band
Lugar: Mikell's
Fecha: Diciembre 31, 1985
En la víspera de Año Nuevo de 1985, Fort Apache Band, con sede en el Bronx, tocó en varios sets en Mikell's, un club de jazz en la esquina de 97th Street y Columbus Avenue. La música de esa noche encarnó el proyecto de animación del grupo: explorar la intersección creativa de las tradiciones musicales afrocubanas y puertorriqueñas con el jazz.
La banda fue cofundada por los hermanos Andy y Jerry González en 1979. Andy tocaba el contrabajo; Jerry, el líder, era percusionista y trompetista, y encarnaba el espíritu interdisciplinario del jazz latino moderno. Inicialmente, el grupo no tenía nombre (su primer álbum, Ya Yo Me Curé , se grabó bajo el nombre de Jerry), pero finalmente adoptaron el nombre de la comisaría del sur del Bronx, transformando un insulto en una declaración de orgullo. (El grupo había participado activamente en las protestas contra la producción de la película de Paul Newman, Fort Apache, The Bronx, en 1981).
Tras grabar un álbum en directo ( The River Is Deep ) en 1982, para su actuación de Nochevieja el grupo ya estaba inmerso en la exploración de los temas musicales que culminarían en Rumba Para Monk , de 1989. Este álbum emblemático combinó ritmos latinos con composiciones de Thelonious Monk, cosechando un gran éxito. «Siempre que oía jazz —a Trane, Miles o Monk—, percibía los ritmos cubanos», declaró Jerry González a Down Beat en 1990. «Dizzy (Gillespie) demostró que se puede superponer un bebop auténtico sobre un bajo rítmico latino complejo sin diluir ninguno de los dos».
Artista: John Zorn
Lugar: Ruleta
Fecha: Octubre 13, 1984
Cobra es una de las piezas más influyentes del compositor vanguardista John Zorn: composiciones musicales que desafían los géneros y están diseñadas para la improvisación controlada. Estrenada en Roulette, un espacio de arte alternativo en TriBeCa, el 13 de octubre de 1984, Cobra se inspiró en un juego de rol de la Segunda Guerra Mundial del mismo nombre. La pieza fue concebida como un sistema de reglas destinado a crear «un conjunto de relaciones interpersonales más flexibles, pero a la vez más complejas» para un grupo de músicos y un apuntador. Zorn escribió la partitura con la intención de fomentar un ritmo rápido y cambios rápidos en la música. Comparó sus intenciones con «el tipo de fragmentación temporal radical y la estructura sintáctica de la música clásica de dibujos animados de Carl Stalling y Scott Brady».
Originario de la ciudad de Nueva York, Zorn ha sido una figura central en la escena del centro desde 1975. Es conocido por su fusión de diversos géneros musicales, incluyendo jazz, rock, hardcore punk, música clásica, klezmer, música de cine, dibujos animados, música popular e improvisada. Zorn continúa creando una obra influyente que trasciende las categorías académicas convencionales. Cobra se ha convertido en un referente de la música de vanguardia, interpretada habitualmente tanto por músicos experimentados como por estudiantes que buscan perfeccionar sus habilidades de improvisación.
Evento: Fiesta de la vida de Keith Haring
Lugar: Paradise Garage
Fecha: mayo 16, 1984
El 16 de mayo de 1984, el artista Keith Haring lanzó su primera Fiesta de la Vida, una celebración de cumpleaños que fue una entusiasta convergencia de arte, música y actuación en el club nocturno Paradise Garage en SoHo. La festividad fue organizada conjuntamente por Larry Levan, el DJ residente del club y destacado productor y mezclador de discos, y contó con una lista de invitados repleta de estrellas con actuaciones de Madonna y John Sex. Madonna cantó "Dress You Up" y "Like a Virgin", que se estrenaron más tarde ese año, vistiendo un traje diseñado por Stephen Sprouse pintado por Haring y LA II.
Paradise Garage abrió sus puertas en 1977, inspirado en las fiestas privadas de DJ de David Mancuso en The Loft: no se sirvió licor, no se vendieron alimentos ni bebidas. El club era solo por invitación, con un patrocinio devoto de hombres homosexuales principalmente negros, y la magia del tocadiscos del DJ Larry Levan fue el principal atractivo.
En sus diarios, Haring escribió: "No sé si sabes lo importante que es Paradise Garage, al menos para mí y la tribu de personas que han compartido muchas experiencias espirituales colectivas allí". Ann Magnuson, artista del centro de la ciudad, actriz y amiga de Keith Haring, escribió que "el baile era nuestro rito pagano y el Paradise Garage, el primer club de baile gay multicultural, se convirtió en el Panteón de Keith". La Fiesta de la Vida fue quizás el ejemplo definitivo del arte, la moda y la música del centro de la ciudad que convergen en la pista de baile.
Artistas: Run-DMC y The Treacherous Three
Lugar: Graffiti Rock
Fecha: junio 29, 1984
En junio de 1984 se hizo historia cuando se grabó el primer programa de televisión de hip-hop sindicado en un estudio de sonido en Midtown Manhattan. El creador de Graffiti Rock , Michael Holman (percusionista de la banda "no wave" Gray, también destacada en esta galería), describió el programa como una "fiesta de música y baile que celebraba la vida callejera". Aunque finalmente solo se emitió un episodio, el 29 de junio, tenía grandes ambiciones: ofrecer "un vistazo al futuro, la oportunidad de ver lo que la juventud de hoy piensa, siente, canta y baila. Y eso, en última instancia, ayudará a determinar qué rumbo tomará nuestra sociedad".
roca de la pintada contó con actos innovadores, incluida la interpretación de Run-DMC de su exitoso sencillo, "Sucker MCs". Formada apenas el año anterior en Hollis, Queens, Run-DMC acababa de lanzar su primer LP en la primavera de 1984. En el momento de roca de la pintada, el trío había desarrollado su sonido "rap rock" contundente con canciones como "Rock Box". También adquirieron una estética de moda que remodelaría el hip hop durante generaciones, incorporando un estilo urbano que incluía sombreros Kangol, zapatillas Adidas y chaquetas de cuero negro.
El programa también contó con Kool Moe Dee y Special K, dos MCs del trío veterano The Treacherous Three. Con base en Harlem y el Bronx, el grupo era conocido por la velocidad y las cualidades líricas de sus rimas. Los MC proporcionaron la introducción del programa, desglosando los elementos del hip hop, incluido el breakin ', el DJ y los estilos verbales de los MC, todo con un conjunto cargado de graffiti. También aparecieron en una batalla amistosa de estilo libre con Run-DMC.
Artista: Arthur Russell
Lugar: Fundación Experimental Intermedia
Fecha: Septiembre 22, 1985
Un momento trascendental en la escena musical experimental de Nueva York tuvo lugar en otoño de 1985, cuando Arthur Russell ofreció varias actuaciones en la Experimental Intermedia Foundation de SoHo. En sus interpretaciones en solitario de composiciones nuevas y reelaboradas, Russell combinó su melancólico tenor con su violonchelo, a veces con distorsión y reverberación. Varias canciones grabadas durante estas actuaciones conforman una parte importante del innovador álbum de Russell de 1986, World of Echo.
Russell llegó a la ciudad de Nueva York en 1973 desde su Iowa natal pasando por San Francisco. Con formación clásica en composición y violonchelo, rápidamente se unió a la multitud del centro y se convirtió en el booker del lugar de arte de vanguardia The Kitchen. A medida que se desilusionó gradualmente con las oportunidades en la escena de la música experimental, también frecuentaba clubes nocturnos como The Loft y Paradise Garage, el centro de la escena de clubes gay. Su influencia pronto comenzó a aparecer en su trabajo, cuando Russell comenzó a crear música para las pistas de baile de Nueva York. Colaboró con grupos como The Flying Hearts, Loose Joints y Dinosaur L, que produjeron clásicos de la danza "Is It All Over My Face?" y “Go Bang! # 5 ".
Russell era una persona excepcional, capaz de transitar entre dos mundos, desde el teatro hasta el baile, y su influencia en la música contemporánea y el reconocimiento de la crítica musical no han hecho más que aumentar en los últimos años. A Russell le diagnosticaron VIH poco después del lanzamiento de World of Echo y falleció en 1992.
